domingo, 1 de mayo de 2011

Arte Postmoderno

  • Surge a finales de los años 70 y principios de los  80 en Alemania,desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
  • Surge como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años 70.
  • Se caracterizaba por su agresividad,sus descarnados temas,la forma en los que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano(generalmente dibujados de manera muy burda).
  • Este movimiento se destaca por obras de gran tamaño con una técnica agresiva como el dripping:pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela.
  • Generalmente son obras figurativas,aunque sin rechazar la abstracción.
  • Utiliza gamas cromáticas amplias,como intensos constrastes cromáticos.
Autores destacados: Sherrie Levine, Jeff Koons, Julian Schnabel, David Salle, Mike Bidlo, Louise Lawler y Jeff Wall.

Ator elegido:Sherrie Levine

Biografía:
Sherrie Levine es uno de los principales miembros de una generación de artistas que, huyendo de la nueva tendencia pictórica neoexpresionista que dominaba el arte de los últimos setenta y primeros años ochenta, comienza a explorar asuntos como los de la originalidad, autenticidad y autoría, característicos de lo que más tarde ha venido a llamarse neoconceptualismo.
Su primera obra destacada fue Shoe Sale (1977) y ese mismo año terminó una serie de dibujos, Sons and Lovers, que parecen anunciar sus obras posteriores. En ellos enfrenta la silueta reconocible de un presidente americano con la de una figura femenina anónima; estos dibujos logran, a través de la repetición y de la variación, que el espectador sea el que genere la historia que los une completando el significado de la obra.
En 1979 Levine realizó ocho collages a partir de obras de Leonard Feininger, fue la primera vez que se apropió de las fotografías de otro artista. Ese mismo año refotografió seis de los desnudos masculinos de Edward Weston, así como algunos de los paisajes de Eliot Porter. Dos años después, su exposición individual en la galería Metro Pictures provocó, por la novedad de su propuesta, el debate en el medio artístico neoyorquino. En ella presentó sus reproducciones de la serie fotográfica W.P.A. Depression Series de Walker Evans. Con sus apropiaciones, Levine resignifica la obra de grandes maestros del arte -siempre hombres- y niega las nociones tradicionales de originalidad y autoría, que han sido paradigmáticas del concepto patriarcal de vanguardia. Al mismo tiempo se interroga sobre la idea de propiedad y el proceso de fetichización que sufre toda obra de arte por el mero hecho de llevar inscrita una firma.
En 1983 volvió a la pintura y presentó copias en acuarela de láminas que reproducían cuadros de algunos de los grandes héroes de las vanguardias históricas como Miró, Léger, o Stuart Davis. Con esta serie fuerza de nuevo el concepto de originalidad y crea copias de copias, que no eran reproducidas por un medio mecánico, sino que retomaban la cualidad artesanal y sensual de la pincelada y el trazo. Considerando que en su obra estaba quedando reprimido algún aspecto, decide abandonar por unos años el apropiacionismo y crea una serie de pinturas que, como ella misma explica, “tuvieran que ver no sólo con la historia del arte, sino también con la historia personal y la memoria. Quería hacer pinturas que fueran formales y alegóricas al mismo tiempo”. A este grupo pertenecen su serie de tablas de madera manufacturadas cuyos nudos han sido dorados, los lienzos con franjas geométricas de color de 1985, que se inspiran en las pinturas minimalistas de las que se avergonzaba cuando era estudiante, y su posterior derivación hacia la representación de tableros de juego.
Después de estas series pictóricas vuelve a las estrategias apropiacionistas de sus primeras obras introduciendo el uso del ordenador como en Meltdown o llevándolas también a las tres dimensiones y así ha dado cuerpo a las figuras de los solteros de Le grand verre de Duchamp, ha hecho fundir en bronce urinarios similares al de Fountain del mismo artista, y ha mandado construir seis mesas de billar idénticas inspiradas en La Fortune de Man Ray. S. R.

                              
                                                  Fountain 5:
                   

Desde la década de 1980, Sherrie Levine ha hecho una carrera de volver a utilizar - o apropiación - famosas obras de arte, a menudo haciendo nuevas versiones de ellos y colocarlos en diferentes contextos. A lo largo de su carrera, Levine ha creado arte basado en las obras de destacados artistas masculinos de principios del siglo 20 con el fin de subrayar la ausencia relativa de mujeres en el mundo del arte en ese momento. Sus fuentes han incluido fotografías de Walker Evans y esculturas de Constantin Brancusi. pieza de Levine, titulado Fuente (después de Marcel Duchamp: AP), se inspira en la Fuente de Marcel Duchamp (1917). Cuando la fuente de Levine se compara con la escultura de Duchamp, es evidente que no es una copia exacta. Lo más notable es la pieza de Duchamp fue un mingitorio real, se volvió boca abajo y sin alteraciones, excepto para su firma. Él creía que podía transformar ese género producidas en masa, los objetos cotidianos en obras de arte sólo por proclamar que es así, y lo llamó "readymades". Por el contrario, la escultura de Levine es un elenco contemporáneo urinario en metal precioso tradicionales del escultor, bronce. Pulido a un brillo brillante, esta pieza ya no es común, comprados en la tienda el tema, sino que ha sido transformado por el artista en un objeto único.

Sitiografía utilizada:www.wikipedia.com

Hiperrealismo

  • Surge en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
  • Consiste básicamente en traducir literal y fotográficamente la realidad con la técnica pictórica tradicional.
  • Los temas generalmente son paisajes urbanos,fachadas de tiendas,retratos,animales,cuerpos humanos,etc.
  • Se emplea la cámara fotográfica como elemento para observar la imñagen de lo que se va a representar sobretodo en la reproducción de retratos ya que el tiempo de exposición sería prolongado.
Autores destacados:Robert Cottingham, John Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean y Malcolm Morley, John de Andrea,entre otros.

Autor elegido:John Kacere.

Biografía:
Walker, Iowa, 1920 - 1999
Pintor y Grabador reconocido internacionalmente, John Kacere es considerado uno de los precursores del fotorrealismo americano
Fue un pintor abstracto desde 1950 hasta 1963, pero se mudo a un estilo realista. Ha sido considerado como foto-realista o hiperrealista, aunque nunca ha adoptado la metodologia de dichas escuelas. Desde 1963, se ha concentrado en la tematica femenina.
Cuando contaba con 12 años de edad realizo su primera obra profesional, firmada. Asistio a la escuela de arte de Chicago desde 1938 hasta 1940.
En un principio estuvo especialmente interesado por la obra de Van Gogh, Degas y Toulouse-Lautrec. Tambien cita a Holbein e Ingres como artistas predilectos.
Tras ingresar en la armada americana, Kacere realizo su primera exposicion en solitario en Cedar Rapids, Iowa. Establecido en California durante los años de la guerra, comenzo a estudiar a los artistas de vanguardia: Picasso, Miro, Klee y Matisse. Tras dejar el ejercito, Kacere estudio Bellas Artes en la Universidad de Iowa.
Comenzo su carrera docente en 1950 en la Universidad de Winnipeg, Canada. Desde entonces ha impartido clases en la University of Florida, Arizona State University, la Rhode Island School of Design, New York University, la Universidad de Nuevo Mexico, y en la Cooper Union y la Parsons School of Design en Nueva York.
Kacere ha celebrado diversas exposiciones en Nueva York. Ademas de Paris y Hamburgo, y su obra ha tenido una gran acogida en Europa.
Sus obras se pueden encontrar en diferentes COLECCIONES y MUSEOS de todo el mundo, ENTRE ELLOS: - Stedeljik Museum, Amsterdam, Holanda - Wadsworth Atheneum, Hartford - Portland Art Museum, Portland - J.B. Speed Museum, Louisville - Technimetrics Inc., New York - Saul Steinberg, New York - Sydney and Frances Lewis, Richmond - Daniel Filipacchi, Paris - Bernard Orenstein, Beverly Hills - Sydney Besthoff, New Orleans - Pierre Lescure, Paris - E. Jean Belloni, Ginebra, Suiza.


                                                  Maija 75:
                                                 

Título: Maija II 74Año de creación: 1977
Técnica: Fotolitografía
Soporte: Papel
Edición: 200 ejemplares
Dimensiones:
67 x 56 cm
Observaciones: Fotolitografía firmada a lápiz por el artista y numerada sobre una edición de 200 ejemplares. Inscripción: Copyright 1977 Circle Fine Art Corp. Tamaño de la imagen: 51 x 39 cm.
Sitiografía:www.wikipedia.com    

Arte Óptico

  • Nacido en los Estados Unidos en 1958
  • Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colore,luces y sombras;los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento,brindándole total dinamismo a sus superficies planas,las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridemencionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
  • Estudiaba el color ,la influencia de la luz,el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.
  • No se interesaba en pintar los objetos de la vida cotidiana como el arte pop.
Autores destacados

Autor elegido:Víctor Vasarely,Antonio Lizazaru Balué,Jesús Rafael Soto,Bridget Riley.

Biografía:
Estudió en la Escuela de Artes en Caracas, donde conoce a Carlos Cruz-Díez y Alejandro Otero.
Vivió en París desde 1950, donde muere a los 81 años de edad.
Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.
Soto es particularmente famoso por sus "penetrables", esculturas dentro de las cuales las personas pueden caminar e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable del observador, sólo puede estar completo con la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación.
Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto. “La Esfera Soto”, se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.
En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en 1973. sot soto fue el Padre del Cinetismo.

                                                        Escultura:
                                                       
Como en el arte y la técnica del ilusionismo, Jesús Rafael Soto (1923-2005) artista de origen venezolano, nos introduce en sus visiones del movimiento en la obra de arte. Esa aspiración tan antigua de los artistas para dotar a sus obras de la animación tan deseada para que cobren vida.
En esta exposición se reúne una selección de obras emblemáticas del Arte Cinético, expresión artística de los “50 donde el protagonismo está reservado al movimiento ilusorio que provocan planos y materiales dispuestos en forma superpuesta o adyacente.
Así las primeras obras que datan de 1950 y que son presentadas como de investigación plástica, están integradas por serigrafías y ensamblajes que les fueron encargados a Soto por la Galería Denise René de París, para su edición.
Y resulta precisamente este conjunto de gran interés en la muestra, porque a pesar de tratarse de las primeras obras, logrará a nuestro criterio representar como en un muestrario la síntesis de la obra de Soto, como si los tiempos pudieran invertirse. En ellas, los dibujos geométricos presentados siempre en no más de tres colores semejan desplazamientos de polígonos que en su obsesión repetitiva ya anticipan el centelleo que se observa en obras posteriores.


Sitiografía:www.wikipedia.com

Arte Pop

  • Movimiento Artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos.
  • Utiliza la seriegrafía como técnica de yuxtaposición de diferentes elemntos:cera,óleo,pintura plástica como materiales de desechos,fotografías,trapos viejos,collages,assemblages,etc.
  • Representa la producción de objetos en serie,la globalización,el capitalismo,el consumismoy la tecnología a través de colores vivos,chillones y provocadores,contornos claros y ausencia de mensajes implícitos.
  • Emplea imágenes y temas tomados de mundo de comunicación de masas aplicado a las artes visuales.
Autores Destacados:Andy Warhol,Richard Hamilton,Larry Rivers,entre otros.

Autor elegido:Andy Warhol

Biografía:
Andrew Warhol (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.
                                                        
                                                   Marilyn Monroe:

Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. En esta época funda "The Factory", su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata, estaba en la calle 47th (más tarde se mudaría a Broadway). Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte.
Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los medios de masas -periódicos y carteles, pero sobre todo televisión- para definir un Olimpo particular compuesto de símbolos de la cultura americana, como la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles, o retratos de celebridades.La botella de Coca-Cola se convirtió para él en un tema pictórico.
                                     
Sitiografía utilizada:www.wikipedia.com