Arte Abstracto

• Surge en 1910.Este Avance decidido hacia la abstracción tuvo lugar en: Alemania,Holanda y Rusia.
• Temñatica: la obra de arte se convierte en una realidad autónoma,sin conexión con la naturaleza y,como consecuencia ya no representa hombres,paisajes,casas o flores;sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.Es un lenguaje no figurativo.
•  Técnica:El código de Kandisky es libre.Trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática.Le importa la mancha de color y la expresión.
• El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma,color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.

Artistas destacados: Wassily Kandisky,Mondriam Malevich,Paul Klee,Jackson Pollock,entre otros.

Artista elegido: Wassily Kandisky

Biografía:
Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudiaba Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.
En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.
En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias es paciales.
                                             Composición:

Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados, acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Prueba del procedimiento conceptual del pintor es que a lo largo de los cuatro días, hizo que su compañera Gabriele Münter tomara fotografías para documentar cada paso de la composición. Kandinsky quiso conservar el proceso creativo de una pintura tan premeditada e importante para él, e ilustrar la obra a la luz de la teoría y del público. Pensaba en la posteridad.
Las fotografías muestran como quedan ocupados en primer lugar, el margen inferior izquierdo y el centro de “Composición VII”. Las partes restantes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.
En el margen inferior izquierdo vemos aún el único signo claramente legible en el contexto kandiskiano que remite a una barca de remos, muy usado por él. Además también hallamos restos de objetos ocultos pertenecientes a los ciclos temáticos del diluvio, el juicio final y la resurrección. Kandinsky definió a esta pintura como no figurativa, sin partir de ningún tema ni de formas de origen corporal.
En la versión definitiva llaman la atención las superficies legibles de los elementos pictóricos y gráficos que son individuales; separación consecuente que Kandisnky venía practicando desde 1911 como una característica incontestable en el camino de la abstracción.
Los contornos que rodean los objetos se independizan en la pintura en forma de elementos gráficos propios. Asimismo, la superficie cromática liberada de tal modo se convierte en una mancha de color, pues el color se distribuye dinámicamente hacia todos lados, en vez de ser retenido por la línea rígida y permanecer atado al objeto.

Sitiografía:www.wikipedia.com



El Futurismo

• Surgió a principios del siglo XX en Italia
• Temática: los temas preferidos son las ciudades y la figura humana en movimiento.Pintaban caballos,perros y el cuerpo humano con varias cabezas o series radiales de barzos y piernas.Además representaban el sonido como una recesión de ondas y el color como una vibración.
• Técnica: Simultaneismo,dinamismo,divisionismo,multiplicación de líneas y detalles,movimiento,amplia gamas de colores,desmaterialización de los objetos y multiplicacion de las posiciones de un mismo cuerpo.
• Generalmente representaban: el  moviento de personas y el rechazo al pasado y a la tradición.
• Consideraron símbolos de la civilización como la maquinaria y la velocidad de autos.
• Lograron una nueva forma de expresión artística,regida por los principios  de la llamada civilización de las máquinas.

Autores Destacados:Filippo Tomasso  Marinetti,Umberto Boccioni,Carlo Carrá,Luigi Russolo y Gino Severini.

Autor Elegido: Luigi Russolo

Biografía:                                       
Luigi Russolo (30 de abril de 1885 - 4 de febrero de 1947) fue un pintor futurista y compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913). Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia por sus "conciertos de ruidos" de 1913-1914, y una vez terminada la Primera Guerra Mundial, de París en 1921. También es uno de los primeros teóricos de la música electrónica.
Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.
Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en la época.

                                                              Perfume:

Lienzo al óleo,(1909-1910).
 Es una imagen débil y sentimental, mal dibujado, pero los intentos de representar a la calidad del olor erótico de la mujer por la envolvente líneas onduladas de color brillante. Música de 1911 se convirtió en un conjunto pieza del futurismo. El pianista se agacha satánicamente sobre el teclado, varias manos febrilmente golpeando a la música que gira en una ola policromada visibles por encima de su cabeza. A su alrededor el espíritu de la composición están representados por chillones máscaras ciegos. Es, sin embargo, sus recuerdos de una noche de 1911 que sea realmente representativo de las ambiciones futuristas. Es una composición inconexa, con cifras encorvarse, calle de luces, casas, caballos, cabezas de las mujeres y otros detalles colocado en yuxtaposición incierto. Pero, como su título revela, no se refiere a un incidente específico, un lugar determinado, o incluso una hora precisa cierto, pero con la naturaleza de la experiencia. Aquí, los futuristas fueron influenciados por el popular filósofo francés Henri Bergson, quien señaló que la percepción y la experiencia no fueron instantáneas. La memoria juega un papel fundamental en nuestra experiencia, que se extendió inevitablemente con el tiempo. Recuerdos de una noche de niebla y la solidez de mezcla de estos efectos de la persistencia de la visión como son instancias en el "Manifiesto de los pintores futuristas" dentro de un panorama más amplio.

Sitiografía:www.wikipedia.com

Expresionismo

·         Nace en Alemania en contra del naturalismo y fue encabezado por el poeta Georg Trakl en 1920

·         Entre sus principios señalan: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo.

·         El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.

·         El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico.

·         Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.

Autores Destacados: Max beckerman, James Ensor, George Grosz, Edvard Munch Emil Nolde, entre otros.

Autor Elegido: Edvard Munch

Biografía:

Edvard Munch ha sido un pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863,

Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer.

Obra: "El Grito"Edvard Munch-1893 Óleo, temple y pastel sobre cartón.

El grito es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que una cuarta versión pertenece a una colección particular. Munch realizó también una litografía con el mismo título.
En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de sendos robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de otra de las versiones del cuadro, una de las expuestas en el Museo Munch.
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.
El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

 

Sitiografía:www.wikipedia.com

Postimpresionismo

•       Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente, como una reacción contra el Impresionismo y le Neo-Impresionismo.
  Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no expresan la realidad, sino que mostraron si propia visión de ella.
  Los post-impresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basara su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionan contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y presentara una visión más subjetiva del mundo.
  Se puede destacar como Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, Moma, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Por otro lado, Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas).

    Autores destacados: Paul Cézanne,Paul Gauguin y Vincent Van Gogh.


    Autor elegido: Vincent Van Gogh.

    Biografía:


 Vincent Van Gogh, por su parte se aproximó a la naturaleza con vigorosas  pinceladas  coloristas, evocadoras  de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMA de Nueva York), preludió el expresionismo.

 Destacado a través de los tiempos por sus grandes obras, es a quien deseo resaltar.  Su nombre completo fue Vincent Willem van Gogh, nació en Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 y  fallece en Francia, el 29 de julio de 1890. Fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Durante la infancia Vincent asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg. Dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años. Aunque no fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon van Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.

La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX.

Título de su obra: " Campo de trigo con vuelos de cuerva", una obra realizada con óleo sobre lienzo, que fue pintada en Julio de 1890:

 La composición de la perspectiva en el campo abierto tiene un sentido inverso, sale del horizonte en dirección hacia la parte delantera. El azul del cielo está en un solo plano y consigue crear una unidad, mientras que el amarillo del trigo está dividido en dos planos, el rojo de los caminos en tres y el verde complementario de las franjas del camino en cinco. Este cuadro está considerado como una de las mejores obras del artista.

 En este caudro reaparece un antiguo motivo del verano del 1887: pero esta vez el pintor, que ya no tiene esperanza, derrama en él todo el tumuito desaliento que pocos días más tarde le vencerá, llevandole al suicidio. Furiosas olas de tierra licuada se agitan bajo un cielo bajo y recargado, que arrastra dos nuves descompuestas y está llamado a hundirse y apagarse, mientras unos cuervos huyen espantados. 


Sitiofrafía:www.wikipedia.com

El Neoimpresionismo

·         Surge en Francia a fines del SXIX.

·         Utilizaba la pincelada dividida en trazos muy pequeños (divisionistas);y emplean una pincelada en forma de puntos para descomponer la imagen (puntillistas)

·         Usan en sus paletas colores puros, pero no admiten una mezcla en la paleta, salvo la mezcla de colores vecino en el círculo.

·         Usan solo colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla.

·         Las figuras se hacen geométricamente bien definidas

·         Preocupación por el volumen, orden y claridad

·         Los temas continúan siendo los típicos del impresionismo, se hace más hincapié en el tema del ocio Burgués ,predilección por  asuntos como puestos, orillas del río y escenas circenses(del circo)

Autores:Seviat,Giorges,Signac,Renoir.

Autor seleccionado: Signac

Biografía:


Paul Signac nació en París en 1863, en el seno de una familia de un pudiente maestro guarnicionero. Puede ser considerado pintor autodidacta. Comenzó su carrera como arquitecto, pero lo dejó a los dieciocho años para dedicarse a la pintura.
En 1882 se inscribe en la Escuela de Bellas Artes. En 1884 conoció a Monet y Georges Seurat. Quedó impresionado por los métodos de trabajo sistemáticos de Seurat y por su teoría de los colores y se convirtió en el fiel seguidor de Seurat. Bajo su influencia abandonó las cortas pinceladas del impresionismo para experimentar con los puntos de color puro, científicamente yuxtapuestos, que pretendían combinar entre sí, no mezclarse sobre el lienzo, sino en el ojo del espectador, el rasgo que define el puntillismo.
Navegó por las costas de Europa, pintando los paisajes que encontraba. Muchos de sus cuadros son de la costa francesa. Dejaba la capital todos los veranos, para permanecer en el sur de Francia, en la villa de Collioure o en Saint-Tropez, donde compró una casa a la que invitaba a sus amigos. En marzo de 1889, visitó a Vincent van Gogh en Arlés. Al año siguiente hizo un pequeño viaje a Italia, viendo Génova, Florencia, y Nápoles.
Signac amaba navegar y comenzó a viajar en 1892, en un barco pequeño a casi todos los puertos de Francia, Holanda y alrededor del Mediterráneo, llegando incluso hasta Constantinopla, teniendo la base de su barco en St. Tropez, que él "descubrió". De todos esos puertos en los que estuvo, Signac llevó consigo acuarelas vibrantes y coloridas, tomadas rápidamente del natural. A partir de estos pequeños esbozos, pintó grandes lienzos en su taller, que están cuidadosamente trabajados a partir de pequeños cuadrados de color, a modo de mosaico, bastante diferentes de los pequeños puntos multicolores que previamente había usado Seurat.
También pintó escenas de ciudades francesas en sus últimos años.
Signac experimentó con varios medios. Además de pintura al óleo y acuarelas, hizo aguafuertes, litografías, y muchos esbozos a pluma y tinta compuestos de pequeños y trabajados puntos. Los neoimpresionistas influyeron en la siguiente generación: Signac inspiró, en particular, a Henri Matisse y André Derain, desempeñando de esta manera un papel decisivo en el desarrollo del Fauvismo.
Como presidente de la «Société des Artistes Indépendants» desde 1908 hasta su muerte, Signac animó a artistas más jóvenes (fue el primero que compró una pintura de Matisse) exponiendo las controvertidas obras de los fauves y de los cubistas.


Fuente de información:www.wikipedia.com


Obra del autor:


Placio de los Papas en Aviñon:
  

  


  
Descripción:
La enorme fortaleza palaciega del siglo XIV se refleja en las aguas del Ródano, dónde puedes apreciar el legendario puente de St. Benezet, hoy en ruinas y cortado, pero hasta el siglo XVII, único cruce posible del ancho río, próximo a su desembocadura. Este palacio fue utilizado por los papas durante el periodo de ausencia de Roma y fue escenario de luchas e intrigas, además de testigo de un lujo y ostentación desmesurados. Signac lo refleja en las aguas del río con la técnica puntillista consiguiendo un bello efecto, ya que la dorada luz del sol al atardecer ilumina poderosamente las torres y murallas.

 Sitiografía:www.wikipedia.com

El Impresionismo

·         Surge a partir de la segunda mitad del SXIX en Europa, principalmente en Francia.

·         Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, como de largas pinceladas cargadas de materia pictórica.

·         Con las evoluciones científicas y técnicas se permitieron la creación  de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente el óleo.

·         Practica un divisionismo analógico: nada de contornos, formas y objetos diferenciados, sino un espolvoreo de manchas coloreadas.

·         Los impresionistas pintaban los momentos de luz.

·         Es significativo que eliminen de su paleta el color negro, ya que observan que las sombras nunca son de este color, sino coloreadas. Al igual que el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro aunque puede permitirse el mezclarlos sobre un lienzo.

·         La ley de colores complementarios enriquecieron el uso de colores puros, bajos contrastes, generalmente de fríos y cálidos.

·         El centro de atención es la vida cotidiana, como el ocio, el trabajo, el cielo, el mar, los paisajes, las orillas de los mares. También es frecuente el tema de la representación del agua, la nieve y el hielo.

  Autores:Monet,Renoir,Dagas,Degas.


  Autor elegido:Monet


   Biografía:


Claude Monet:
 (Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento

 impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las                 excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura.

 Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un grupo de intelectuales, literatos y pintores como Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto con Manet comenzaba a oponerse al arte establecido.

Los serios problemas económicos y el nacimiento de su hijo ilegítimo, Jean, en 1867, condujeron a Monet a vivir una época de hambre y pobreza extremas, así como a un intento frustrado de suicidio. Durante la contienda franco-prusiana, el artista se refugió en Inglaterra, donde conoció a Pissarro y obtuvo el apoyo económico y la amistad de Paul Durand-Ruel. Allí se interesó mucho por la obra de Turner, que tanto influiría en su percepción de la luz y el color. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.

A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas.

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Mujeres en el jardín (1866) de Claude Monet:

Descripción de la obra:

Similar innovación puede apreciarse en Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.


Sitiografía:www.wikipedia.com