domingo, 1 de mayo de 2011

Arte Postmoderno

  • Surge a finales de los años 70 y principios de los  80 en Alemania,desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
  • Surge como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años 70.
  • Se caracterizaba por su agresividad,sus descarnados temas,la forma en los que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano(generalmente dibujados de manera muy burda).
  • Este movimiento se destaca por obras de gran tamaño con una técnica agresiva como el dripping:pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela.
  • Generalmente son obras figurativas,aunque sin rechazar la abstracción.
  • Utiliza gamas cromáticas amplias,como intensos constrastes cromáticos.
Autores destacados: Sherrie Levine, Jeff Koons, Julian Schnabel, David Salle, Mike Bidlo, Louise Lawler y Jeff Wall.

Ator elegido:Sherrie Levine

Biografía:
Sherrie Levine es uno de los principales miembros de una generación de artistas que, huyendo de la nueva tendencia pictórica neoexpresionista que dominaba el arte de los últimos setenta y primeros años ochenta, comienza a explorar asuntos como los de la originalidad, autenticidad y autoría, característicos de lo que más tarde ha venido a llamarse neoconceptualismo.
Su primera obra destacada fue Shoe Sale (1977) y ese mismo año terminó una serie de dibujos, Sons and Lovers, que parecen anunciar sus obras posteriores. En ellos enfrenta la silueta reconocible de un presidente americano con la de una figura femenina anónima; estos dibujos logran, a través de la repetición y de la variación, que el espectador sea el que genere la historia que los une completando el significado de la obra.
En 1979 Levine realizó ocho collages a partir de obras de Leonard Feininger, fue la primera vez que se apropió de las fotografías de otro artista. Ese mismo año refotografió seis de los desnudos masculinos de Edward Weston, así como algunos de los paisajes de Eliot Porter. Dos años después, su exposición individual en la galería Metro Pictures provocó, por la novedad de su propuesta, el debate en el medio artístico neoyorquino. En ella presentó sus reproducciones de la serie fotográfica W.P.A. Depression Series de Walker Evans. Con sus apropiaciones, Levine resignifica la obra de grandes maestros del arte -siempre hombres- y niega las nociones tradicionales de originalidad y autoría, que han sido paradigmáticas del concepto patriarcal de vanguardia. Al mismo tiempo se interroga sobre la idea de propiedad y el proceso de fetichización que sufre toda obra de arte por el mero hecho de llevar inscrita una firma.
En 1983 volvió a la pintura y presentó copias en acuarela de láminas que reproducían cuadros de algunos de los grandes héroes de las vanguardias históricas como Miró, Léger, o Stuart Davis. Con esta serie fuerza de nuevo el concepto de originalidad y crea copias de copias, que no eran reproducidas por un medio mecánico, sino que retomaban la cualidad artesanal y sensual de la pincelada y el trazo. Considerando que en su obra estaba quedando reprimido algún aspecto, decide abandonar por unos años el apropiacionismo y crea una serie de pinturas que, como ella misma explica, “tuvieran que ver no sólo con la historia del arte, sino también con la historia personal y la memoria. Quería hacer pinturas que fueran formales y alegóricas al mismo tiempo”. A este grupo pertenecen su serie de tablas de madera manufacturadas cuyos nudos han sido dorados, los lienzos con franjas geométricas de color de 1985, que se inspiran en las pinturas minimalistas de las que se avergonzaba cuando era estudiante, y su posterior derivación hacia la representación de tableros de juego.
Después de estas series pictóricas vuelve a las estrategias apropiacionistas de sus primeras obras introduciendo el uso del ordenador como en Meltdown o llevándolas también a las tres dimensiones y así ha dado cuerpo a las figuras de los solteros de Le grand verre de Duchamp, ha hecho fundir en bronce urinarios similares al de Fountain del mismo artista, y ha mandado construir seis mesas de billar idénticas inspiradas en La Fortune de Man Ray. S. R.

                              
                                                  Fountain 5:
                   

Desde la década de 1980, Sherrie Levine ha hecho una carrera de volver a utilizar - o apropiación - famosas obras de arte, a menudo haciendo nuevas versiones de ellos y colocarlos en diferentes contextos. A lo largo de su carrera, Levine ha creado arte basado en las obras de destacados artistas masculinos de principios del siglo 20 con el fin de subrayar la ausencia relativa de mujeres en el mundo del arte en ese momento. Sus fuentes han incluido fotografías de Walker Evans y esculturas de Constantin Brancusi. pieza de Levine, titulado Fuente (después de Marcel Duchamp: AP), se inspira en la Fuente de Marcel Duchamp (1917). Cuando la fuente de Levine se compara con la escultura de Duchamp, es evidente que no es una copia exacta. Lo más notable es la pieza de Duchamp fue un mingitorio real, se volvió boca abajo y sin alteraciones, excepto para su firma. Él creía que podía transformar ese género producidas en masa, los objetos cotidianos en obras de arte sólo por proclamar que es así, y lo llamó "readymades". Por el contrario, la escultura de Levine es un elenco contemporáneo urinario en metal precioso tradicionales del escultor, bronce. Pulido a un brillo brillante, esta pieza ya no es común, comprados en la tienda el tema, sino que ha sido transformado por el artista en un objeto único.

Sitiografía utilizada:www.wikipedia.com

Hiperrealismo

  • Surge en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX.
  • Consiste básicamente en traducir literal y fotográficamente la realidad con la técnica pictórica tradicional.
  • Los temas generalmente son paisajes urbanos,fachadas de tiendas,retratos,animales,cuerpos humanos,etc.
  • Se emplea la cámara fotográfica como elemento para observar la imñagen de lo que se va a representar sobretodo en la reproducción de retratos ya que el tiempo de exposición sería prolongado.
Autores destacados:Robert Cottingham, John Kacere, Paúl Staiger, Robert Bechtle, Richard McLean y Malcolm Morley, John de Andrea,entre otros.

Autor elegido:John Kacere.

Biografía:
Walker, Iowa, 1920 - 1999
Pintor y Grabador reconocido internacionalmente, John Kacere es considerado uno de los precursores del fotorrealismo americano
Fue un pintor abstracto desde 1950 hasta 1963, pero se mudo a un estilo realista. Ha sido considerado como foto-realista o hiperrealista, aunque nunca ha adoptado la metodologia de dichas escuelas. Desde 1963, se ha concentrado en la tematica femenina.
Cuando contaba con 12 años de edad realizo su primera obra profesional, firmada. Asistio a la escuela de arte de Chicago desde 1938 hasta 1940.
En un principio estuvo especialmente interesado por la obra de Van Gogh, Degas y Toulouse-Lautrec. Tambien cita a Holbein e Ingres como artistas predilectos.
Tras ingresar en la armada americana, Kacere realizo su primera exposicion en solitario en Cedar Rapids, Iowa. Establecido en California durante los años de la guerra, comenzo a estudiar a los artistas de vanguardia: Picasso, Miro, Klee y Matisse. Tras dejar el ejercito, Kacere estudio Bellas Artes en la Universidad de Iowa.
Comenzo su carrera docente en 1950 en la Universidad de Winnipeg, Canada. Desde entonces ha impartido clases en la University of Florida, Arizona State University, la Rhode Island School of Design, New York University, la Universidad de Nuevo Mexico, y en la Cooper Union y la Parsons School of Design en Nueva York.
Kacere ha celebrado diversas exposiciones en Nueva York. Ademas de Paris y Hamburgo, y su obra ha tenido una gran acogida en Europa.
Sus obras se pueden encontrar en diferentes COLECCIONES y MUSEOS de todo el mundo, ENTRE ELLOS: - Stedeljik Museum, Amsterdam, Holanda - Wadsworth Atheneum, Hartford - Portland Art Museum, Portland - J.B. Speed Museum, Louisville - Technimetrics Inc., New York - Saul Steinberg, New York - Sydney and Frances Lewis, Richmond - Daniel Filipacchi, Paris - Bernard Orenstein, Beverly Hills - Sydney Besthoff, New Orleans - Pierre Lescure, Paris - E. Jean Belloni, Ginebra, Suiza.


                                                  Maija 75:
                                                 

Título: Maija II 74Año de creación: 1977
Técnica: Fotolitografía
Soporte: Papel
Edición: 200 ejemplares
Dimensiones:
67 x 56 cm
Observaciones: Fotolitografía firmada a lápiz por el artista y numerada sobre una edición de 200 ejemplares. Inscripción: Copyright 1977 Circle Fine Art Corp. Tamaño de la imagen: 51 x 39 cm.
Sitiografía:www.wikipedia.com    

Arte Óptico

  • Nacido en los Estados Unidos en 1958
  • Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colore,luces y sombras;los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento,brindándole total dinamismo a sus superficies planas,las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridemencionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.
  • Estudiaba el color ,la influencia de la luz,el movimiento en los cambios cromáticos y su percepción en la retina humana.
  • No se interesaba en pintar los objetos de la vida cotidiana como el arte pop.
Autores destacados

Autor elegido:Víctor Vasarely,Antonio Lizazaru Balué,Jesús Rafael Soto,Bridget Riley.

Biografía:
Estudió en la Escuela de Artes en Caracas, donde conoce a Carlos Cruz-Díez y Alejandro Otero.
Vivió en París desde 1950, donde muere a los 81 años de edad.
Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.
Soto es particularmente famoso por sus "penetrables", esculturas dentro de las cuales las personas pueden caminar e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable del observador, sólo puede estar completo con la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación.
Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto. “La Esfera Soto”, se encuentra en la Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.
En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en 1973. sot soto fue el Padre del Cinetismo.

                                                        Escultura:
                                                       
Como en el arte y la técnica del ilusionismo, Jesús Rafael Soto (1923-2005) artista de origen venezolano, nos introduce en sus visiones del movimiento en la obra de arte. Esa aspiración tan antigua de los artistas para dotar a sus obras de la animación tan deseada para que cobren vida.
En esta exposición se reúne una selección de obras emblemáticas del Arte Cinético, expresión artística de los “50 donde el protagonismo está reservado al movimiento ilusorio que provocan planos y materiales dispuestos en forma superpuesta o adyacente.
Así las primeras obras que datan de 1950 y que son presentadas como de investigación plástica, están integradas por serigrafías y ensamblajes que les fueron encargados a Soto por la Galería Denise René de París, para su edición.
Y resulta precisamente este conjunto de gran interés en la muestra, porque a pesar de tratarse de las primeras obras, logrará a nuestro criterio representar como en un muestrario la síntesis de la obra de Soto, como si los tiempos pudieran invertirse. En ellas, los dibujos geométricos presentados siempre en no más de tres colores semejan desplazamientos de polígonos que en su obsesión repetitiva ya anticipan el centelleo que se observa en obras posteriores.


Sitiografía:www.wikipedia.com

Arte Pop

  • Movimiento Artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos.
  • Utiliza la seriegrafía como técnica de yuxtaposición de diferentes elemntos:cera,óleo,pintura plástica como materiales de desechos,fotografías,trapos viejos,collages,assemblages,etc.
  • Representa la producción de objetos en serie,la globalización,el capitalismo,el consumismoy la tecnología a través de colores vivos,chillones y provocadores,contornos claros y ausencia de mensajes implícitos.
  • Emplea imágenes y temas tomados de mundo de comunicación de masas aplicado a las artes visuales.
Autores Destacados:Andy Warhol,Richard Hamilton,Larry Rivers,entre otros.

Autor elegido:Andy Warhol

Biografía:
Andrew Warhol (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.
                                                        
                                                   Marilyn Monroe:

Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. En esta época funda "The Factory", su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata, estaba en la calle 47th (más tarde se mudaría a Broadway). Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte.
Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los medios de masas -periódicos y carteles, pero sobre todo televisión- para definir un Olimpo particular compuesto de símbolos de la cultura americana, como la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles, o retratos de celebridades.La botella de Coca-Cola se convirtió para él en un tema pictórico.
                                     
Sitiografía utilizada:www.wikipedia.com  

sábado, 30 de abril de 2011

Arte Abstracto

  • Surge en 1910.Este Avance decidido hacia la abstracción tuvo lugar en: Alemania,Holanda y Rusia.
  • Temñatica: la obra de arte se convierte en una realidad autónoma,sin conexión con la naturaleza y,como consecuencia ya no representa hombres,paisajes,casas o flores;sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.Es un lenguaje no figurativo.
  •  Técnica:El código de Kandisky es libre.Trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática.Le importa la mancha de color y la expresión.
  • El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma,color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
Artistas destacados: Wassily Kandisky,Mondriam Malevich,Paul Klee,Jackson Pollock,entre otros.

Artista elegido: Wassily Kandisky

Biografía:
Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudiaba Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.
En 1901 funda el grupo Phalanx, cuyo propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases. Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.
En 1902 expone por primera vez con la Secession de Berlín y realiza sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París.
En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tiene lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias es paciales.

                                             Composición:


Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados, acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Prueba del procedimiento conceptual del pintor es que a lo largo de los cuatro días, hizo que su compañera Gabriele Münter tomara fotografías para documentar cada paso de la composición. Kandinsky quiso conservar el proceso creativo de una pintura tan premeditada e importante para él, e ilustrar la obra a la luz de la teoría y del público. Pensaba en la posteridad.
Las fotografías muestran como quedan ocupados en primer lugar, el margen inferior izquierdo y el centro de “Composición VII”. Las partes restantes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.

En el margen inferior izquierdo vemos aún el único signo claramente legible en el contexto kandiskiano que remite a una barca de remos, muy usado por él. Además también hallamos restos de objetos ocultos pertenecientes a los ciclos temáticos del diluvio, el juicio final y la resurrección. Kandinsky definió a esta pintura como no figurativa, sin partir de ningún tema ni de formas de origen corporal.
En la versión definitiva llaman la atención las superficies legibles de los elementos pictóricos y gráficos que son individuales; separación consecuente que Kandisnky venía practicando desde 1911 como una característica incontestable en el camino de la abstracción.
Los contornos que rodean los objetos se independizan en la pintura en forma de elementos gráficos propios. Asimismo, la superficie cromática liberada de tal modo se convierte en una mancha de color, pues el color se distribuye dinámicamente hacia todos lados, en vez de ser retenido por la línea rígida y permanecer atado al objeto.


Sitiografía:www.wikipedia.com




El Futurismo

  • Surgió a principios del siglo XX en Italia
  • Temática: los temas preferidos son las ciudades y la figura humana en movimiento.Pintaban caballos,perros y el cuerpo humano con varias cabezas o series radiales de barzos y piernas.Además representaban el sonido como una recesión de ondas y el color como una vibración.
  • Técnica: Simultaneismo,dinamismo,divisionismo,multiplicación de líneas y detalles,movimiento,amplia gamas de colores,desmaterialización de los objetos y multiplicacion de las posiciones de un mismo cuerpo.
  • Generalmente representaban: el  moviento de personas y el rechazo al pasado y a la tradición.
  • Consideraron símbolos de la civilización como la maquinaria y la velocidad de autos.
  • Lograron una nueva forma de expresión artística,regida por los principios  de la llamada civilización de las máquinas.
Autores Destacados:Filippo Tomasso  Marinetti,Umberto Boccioni,Carlo Carrá,Luigi Russolo y Gino Severini.

Autor Elegido: Luigi Russolo

Biografía:                                       
Luigi Russolo (30 de abril de 1885 - 4 de febrero de 1947) fue un pintor futurista y compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913). Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia por sus "conciertos de ruidos" de 1913-1914, y una vez terminada la Primera Guerra Mundial, de París en 1921. También es uno de los primeros teóricos de la música electrónica.
Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.
Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o "entonador de ruidos", que fue duramente criticada en la época.

                                                              Perfume:


Lienzo al óleo,(1909-1910).
 Es una imagen débil y sentimental, mal dibujado, pero los intentos de representar a la calidad del olor erótico de la mujer por la envolvente líneas onduladas de color brillante. Música de 1911 se convirtió en un conjunto pieza del futurismo. El pianista se agacha satánicamente sobre el teclado, varias manos febrilmente golpeando a la música que gira en una ola policromada visibles por encima de su cabeza. A su alrededor el espíritu de la composición están representados por chillones máscaras ciegos. Es, sin embargo, sus recuerdos de una noche de 1911 que sea realmente representativo de las ambiciones futuristas. Es una composición inconexa, con cifras encorvarse, calle de luces, casas, caballos, cabezas de las mujeres y otros detalles colocado en yuxtaposición incierto. Pero, como su título revela, no se refiere a un incidente específico, un lugar determinado, o incluso una hora precisa cierto, pero con la naturaleza de la experiencia. Aquí, los futuristas fueron influenciados por el popular filósofo francés Henri Bergson, quien señaló que la percepción y la experiencia no fueron instantáneas. La memoria juega un papel fundamental en nuestra experiencia, que se extendió inevitablemente con el tiempo. Recuerdos de una noche de niebla y la solidez de mezcla de estos efectos de la persistencia de la visión como son instancias en el "Manifiesto de los pintores futuristas" dentro de un panorama más amplio.

Sitiografía:www.wikipedia.com

jueves, 28 de abril de 2011

Expresionismo


·         Nace en Alemania en contra del naturalismo y fue encabezado por el poeta Georg Trakl en 1920
·         Entre sus principios señalan: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo.
·         El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.
·         El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico.
·         Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo e interior.

Autores Destacados: Max beckerman, James Ensor, George Grosz, Edvard Munch Emil Nolde, entre otros.

Autor Elegido: Edvard Munch
Biografía:
Edvard Munch ha sido un pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863,
Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer.

Obra: "El Grito"Edvard Munch-1893 Óleo, temple y pastel sobre cartón.

El grito es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch. La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que una cuarta versión pertenece a una colección particular. Munch realizó también una litografía con el mismo título.
En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de sendos robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de otra de las versiones del cuadro, una de las expuestas en el Museo Munch.
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.
El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.
 
Sitiografía:www.wikipedia.com